Tecnica cubista: la guida (seria) a come si smonta un volto in pittura

Cos’è la tecnica cubista, in due parole e senza mistificazioni

Partiamo da un equivoco che va chiarito subito: il cubismo non è “pittura strana fatta da gente che non sapeva disegnare”. È vero il contrario. La tecnica cubista nasce da chi la prospettiva rinascimentale la conosceva benissimo e ha deciso, con metodo, di farla a pezzi.

L’idea di fondo è semplice da enunciare e complicata da digerire: un oggetto — o un volto — non esiste da un solo punto di vista. Quando lo guardi, il tuo cervello ricostruisce mentalmente anche i lati che non vedi. Il cubismo prende questa verità psicologica e la mette letteralmente in scena sulla tela, scomponendo la forma in piani geometrici e mostrando più angolazioni insieme, nello stesso istante.

Non è capriccio. È ingegneria visiva applicata alla pittura.

Volti cubisti: quando naso, occhio e orecchio finiscono dove non dovrebbero

Se c’è un’immagine che riassume la tecnica cubista agli occhi di chi non ne sa nulla, è proprio quella dei volti cubisti: profilo e frontale fusi nella stessa faccia, un occhio che guarda dritto mentre l’altro sembra scappato di lato.

Non è un errore prospettico, è la dichiarazione di intenti del movimento. Il volto viene scomposto in facce geometriche — la cosiddetta faccettatura — e riassemblato secondo una logica che privilegia la struttura sopra la somiglianza fotografica.

Un buon esempio didattico, se lo usi in classe o in un percorso di formazione: fai disegnare uno stesso volto da tre angolazioni diverse su tre fogli, poi ritaglia e ricomponi i pezzi su un solo foglio. Il risultato assomiglierà, sorprendentemente, a un ritratto cubista. Non stai barando: stai semplicemente rifacendo, in piccolo, l’operazione mentale di Picasso.

Pittura cubista: la scintilla che ha acceso tutto

La pittura cubista nasce ufficialmente attorno al 1907, con “Les Demoiselles d’Avignon” di Pablo Picasso — un quadro che ai tempi scandalizzò anche gli amici pittori di Picasso, prima ancora della critica.

Due fattori l’hanno innescata:

• Paul Cézanne, che negli anni precedenti aveva iniziato a trattare la natura come un insieme di forme geometriche di base (cilindri, sfere, coni);
• le maschere africane, che Picasso scopre al Trocadéro di Parigi e che gli mostrano un modo di rappresentare il volto umano completamente slegato dal naturalismo occidentale.

Da qui parte un sodalizio artistico decisivo: quello tra Picasso e Georges Braque, che per alcuni anni lavorano quasi in simbiosi, al punto che è difficile — e in certi casi impossibile — distinguere le loro tele senza guardare la firma.

Tecnica del cubismo: due fasi, due strategie diverse

La tecnica cubista non è rimasta identica a se stessa per tutta la sua storia. Si distinguono, in genere, due fasi principali.

Il cubismo analitico (1909-1912) è la fase più “cerebrale”: palette quasi monocroma (bruni, grigi, ocra), forme scomposte fino quasi all’astrazione, soggetto che si intuisce più che si riconosce. È il cubismo che mette più alla prova chi guarda.

Il cubismo sintetico (dal 1912 in poi) semplifica il linguaggio: tornano i colori, le forme si fanno più leggibili, ed entra in scena il papier collé — la tecnica del collage, con carte da giornale, spartiti o carta da parati incollate sulla tela. È qui che la tecnica cubismo smette di essere solo pittura e diventa anche costruzione materiale dell’opera.

Come “riconoscere” la tecnica cubista senza fare scena muta al museo

Per chiudere con un consiglio pratico, utile a chi insegna o a chi vuole solo smettere di annuire a caso davanti a un quadro: quando ti trovi davanti a un’opera cubista, cerca questi tre indizi.

• Più punti di vista simultanei sullo stesso soggetto (soprattutto nei volti cubisti).
• Frammentazione geometrica delle forme, con contorni netti e piani sovrapposti.
• Palette limitata nella fase analitica, materiali eterogenei in quella sintetica.

Non serve un dottorato in storia dell’arte per apprezzare la pittura cubista. Serve accettare, per qualche minuto, che la realtà su tela non deve necessariamente somigliare a una fotografia — anzi, proprio per questo può dirci qualcosa in più su come funziona davvero il nostro sguardo.